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Nociones fotográficas- Composición y encuadre

Nociones fotográficas – La composición y el encuadre

12/08/2016/en Blog /por Photogenic Agencia Gráfica

Una vez que hemos afrontado aspectos más técnicos de la fotografía, en esta nueva entrada vamos a hablaros de la composición y el encuadre. Tenemos que pensar que la representación del espacio es una construcción ideológica y dependerá de la cultura en la que vivamos y de experiencias subjetivas propias de cada cultura. El visor nos recorta la imagen que vemos y muchas veces nuestras fotos no reflejan lo que queríamos sacar o lo que estábamos viendo. Entonces nos surge la pregunta… ¿cómo reflejar lo que vemos?

La respuesta la tenemos en LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA. Vamos a ver varias reglas o normas para poder componer bien:

Variar el ángulo de la toma
Descentrar las imágenes o regla de los tercios
Relación sujeto/fondo con el contraste tonal

1-En el caso de variar el ángulo de la toma:

-Antes de tomar una foto, observar el entorno y las diferentes posibilidades.

-Buscar perspectivas diferentes, vistas inusuales; ya que estas nos sorprenderán al tener un mayor impacto visual.

-Evitar la vista frontal.

-Si no tenemos más remedio, por falta de espacio o de tiempo, con variar un poco la posición del cuerpo, ladeándonos, agachándonos, girando la cámara… bastará para tener una toma diferente.

-Alejarse un poco del objeto y componer con otros objetos el encuadre, esto enriquecerá nuestra fotografía.

2- Descentrar las imágenes. La regla de dos tercios.

-Una vez elegido el ángulo de la toma, tendremos que ordenar lo que vemos en el marco de nuestro encuadre, es decir… componer la fotografía.

-Tendremos que aplicar la regla de los tercios, que dice: Si tenemos un rectángulo y dividimos sus lados en tercios, al trazar unas líneas imaginarias entre estos puntos, se producen cuatro puntos de intersección. Estos puntos son los de mayor influencia psicológica en una imagen. Allí donde la vista se posa primero.

Se dice que esta regla viene de un canon de belleza internacional, derivado de la forma de leer de izquierda a derecha, lo que forma una Z imaginaria.

Estos son los puntos fuertes de una imagen y es ahí donde colocaremos los objetos, las personas, para que tengan un mayor protagonismo

Pont De L’Europe, Paris, France, 1932 — Henri Car;er Bresson

Hemos de evitar centrar el objeto, así podremos enriquecer la imagen con otros objetos que estén en el encuadre. La imagen centrada hace que la vista se vaya hacia el centro del encuadre, perdiendo interés el resto de la misma por ser una imagen simple. Hace que el resto de los objetos y creando un pequeño caos en la imagen. La vista no sabe que recorrido seguir.

Si no podemos evitar centrar el objeto principal, lo intentaremos desplazar a un lado:

3-Relación sujeto – fondo.

-Un fondo nos puede estropear o mejorar una fotografía

– El fondo ha de enriquecer una imagen y no distraernos.

– Un enfoque selectivo nos puede ayudar a mejorar una imagen.
– Hay que elegir un fondo que vaya mejor con el tema.
– Buscar contraste de tono/color entre sujeto y fondo, para que el impacto de la fotografía sea mayor.

No olvidemos que una fotografía debe transmitir emoción. Estos factores de los que hemos hablado nos ayudarán a que la foto que hagamos tengan más fuerza, pero si el motivo no tiene interés, la foto no nos dirá mucho.

OTRAS NORMAS O LEYES DE COMPOSICIÓN

Dar aire a la foto en la dirección en la que se desplaza o mira el sujeto u objeto. La mirada necesita aire y este se lo daremos en la dirección de la misma.

-Con los retratos no cortar las articulaciones, ya que puede dar la sensación de que el miembro está amputado. El corte se ha de hacer antes o después de la articulación para que dé una sensación de continuidad.

-Si cortamos la cabeza, que sea un corte claro, que se vea intencionalidad.

-Las manos, al igual que los pies, o se sacan, o no se sacan, pero no se cortan.

Estas reglas no solo valen para las personas, sino también para los animales.

-Para realizar fotos a niños, hay que agacharse a la altura de los ojos, ya que si hacemos un plano picado los niños parecerán más pequeños y cabezudos:

Contrapicado y toma a ras. El contrapicado lo realizamos fotografiando hacia arriba y lo utilizamos para ensalzar los objetos y que parezcan más grandes. Lo utilizamos fundamentalmente para fotografiar edificios
y monumentos.

La toma a ras la realizamos colocando la cámara a ras del suelo. Los objetos pequeños toman otra perspectiva.

LAS DIAGONALES EN UNA FOTOGRAFÍA

– Nos sirven de guía para los puntos de interés.

– Dan puntos de fuga a la fotografía.

– Facilitan la composición geométrica.

La proporción más utilizada en la fotografía de paisajes es la de los 2/3, aunque se puede tomar más tierra o aire…

Incluir un primer plano de ramas, o enmarcar una foto con un marco natural como una ventana o el arco de un claustro, puede enriquecer nuestra toma:

Si vamos a fotografiar objetos grandes, acompañarlos de objetos pequeños, darán proporcionalidad a nuestra toma.

Si lo que queremos transmitir es agobio, lo que debemos hacer es quitar aire a la fotografía:

La Casa Cervantes antes y ahora

10/08/2016/en Blog /por admin

¿Cómo llevamos el mes de agosto? Hoy os hemos preparado un antes y ahora muy interesante, el de la casa de Cervantes en Valladolid. El conjunto de estas cuatro viviendas, situado en la calle Rastro s/n y en donde en la actualidad se asienta el Museo Casa de Cervantes, fueron construidas por el arquitecto Juan de las Navas en 1601. Miguel de Cervantes alquiló una de esas casas en 1605 a su llegada a Valladolid, concretamente la número 9. En el jardín fueron instalados los restos de la antigua fachada del Hospital de Resurrección, que en tiempos de Cervantes se hallaba próximo a su casa y que es el escenario de una de sus Novelas Ejemplares, El coloquio de los perros.

Es en 1948 cuando se funda el museo tal y como lo conocemos hoy en día, aunque en 1916 en la planta inferior se instaló una biblioteca y ya se podían visitar algunas estancias de la casa en la que vivió Cervantes.

La casa se compone de 6 estancias, a través de las cuales los visitantes pueden conocer el estilo de vida, decoración y costumbres de la época en la que el escritor vivió en la ciudad de Valladolid, su contexto histórico, socio-económico y político.

Si pasáis el cursor por encima de la foto veréis varios cambios significativos.

¿Todavía no conocéis está joya de la ciudad? Esperamos que os haya picado el gusanillo y os animéis a hacer una visita al Museo Casa de Cervantes.

Nociones fotográficas – El flash

03/08/2016/en Blog /por Photogenic Agencia Gráfica

En nuestros dos anterior ‘post’ os hablamos de la importancia de la luz a la hora de tomar una foto y de cómo aprovechar la dirección de la misma para sacarle más partido. Pero no siempre vamos a tener luz natural, cuando esto ocurre tendremos que usar el flash. Éste sirve para tomas fotográficas de buenos primeros planos y retratos exteriores. El flash lo podremos usar en TTL, automático y en manual. Aquí veremos solo el uso del flash en TTL, donde está basado en un sensor situado en el mismo flash que regula la potencia del destello según la luz reflejada por el objeto. En el momento en que se produce el disparo, el sensor que detecta la luz reflejada en el individuo, determina la duración correcta del destello para cada distancia en concreto regulando a su vez la potencia adecuada.

Las siglas TTL vienen del inglés Through The Lens (a través del objetivo). Y el nombre viene porque es a través del objetivo de la cámara por donde se realiza la medición del destello y se decido cuándo es suficiente para lograr una exposición correcta de la fotografía. A diferencia del modo automático en que esta decisión la toma el propio flash.

Los pasos seguidos en el modo TTL serían los siguientes:

La cámara se dispara y con ella se da la orden al flash de que también se dispare

El destello del flash permanece hasta que el sensor situado en el cuerpo de la cámara no detecte que la toma está correctamente expuesta.

Al recibir esta información a través del objetivo y en el mismo plano del sensor, se garantiza que la medición de la exposición realizada tendrá en cuenta la focal del objetivo, los posibles filtros que se hayan colocado delante de éste, la apertura con la que se haya disparado, la sensibilidad ISO etc… En el modo automático, por el contrario, el sensor estaba en la antorcha y gran parte de esta información no podía ser valorada por el flash, de ahí la mejora de este modo.

Finalmente, cuando el sensor detecta que ha sido suficiente iluminado, envía una señal, a través de la zapata, al flash para que corte el destello.

Hay que tener en cuenta que la potencia del flash es limitada y que, por mucha configuración TTL que hayas seleccionada, si estás tratando de fotografiar un objeto a decenas de metros será muy difícil lograr que aparezca correctamente expuesto. Muchos flashes al seleccionar el modo TTL permiten compensar la exposición, de modo que el fotógrafo pueda obtener tomas más sobreexpuestas o subexpuestas que las que obtendría si se siguiesen ‘al pie de la letra’ los valores que el sensor estima como exposición correcta. Algunos flashes disponen del modo TTL-BL, que no es más que un modo con características TTL en que se han definido unos valores de compensación de exposición adecuados para escenas como contraluces o tomas en las que se desea mitigar la dureza de la luz.

La velocidad de sincronización de la cámara en la máxima velocidad a la que es posible disparar nuestra cámara de modo que todo el sensor pueda estar descubierto en el momento de destello del flash. Este factor es importante conocerlo, especialmente si vamos a hacer fotografía deportiva o en movimiento, puesto que nos podrá paralizar en mayor o menor medida la acción.

¿Qué ocurre si supero la velocidad de sincronización?

La parte baja de la foto nos quedará sin exponer, puesto que se cierra la cortinilla antes de que entre toda la luz del flash.

-LA POTENCIA DEL FLASH

Ley de inversa del cuadrado

La ley de la inversa del cuadrado dice: «el área iluminada por una fuente puntual de luz, es cuatro veces mayor cada vez que de duplica la distancia, o lo que es lo mismo, una misma superficie recibe cuatro veces menos luz cada vez que se coloca al doble de la distancia de la fuente»

Número Guía (NG o GN en inglés, Guide Number). Es un número que da idea de la potencia del flash. Es único para cada flash y varía en función de la sensibilidad de la película, aunque por defecto se da para ISO 100; si no se dice nada, se sobrentiende que es para ésta sensibilidad. Se calcula con la siguiente fórmula:

Número Guía = Distancia flash – escena x nº f

Un ejemplo: para un ISO 100, un flash que a cinco metros necesita de un f:8 para exponer correctamente tendrá un nº guía 40, porque 5 x f/8= NG 40

El número guía nos lo proporciona el fabricante, aunque siempre son muy optimistas con los números. Suele ser un diafragma menos de lo que dicen. Si el flash tiene cabezal zoom, suele dar el NG para la posición más alta del zoom.

Características del Número Guía:

-Depende de la sensibilidad. Por defecto se da para ISO 100, pero al cambiar la sensibilidad que tenemos en la cámara, cambia el número guía, puesto que en definitiva lo que cuenta es la exposición que recibe el sensor y esto también depende de la sensibilidad.

-El número guía se duplica cada vez que se aumenta en 2 pasos la sensibilidad. Si es 20 para ISO 100, será 40 para ISO 400.

TÉCNICAS DE USO DEL FLASH

El disparo directo.

Es la técnica más sencilla, pues lo único que has de haces es colocar la antorcha del flash apuntando directamente al objeto a fotografiar y disparar. Solo se ha de tener en cuenta la distancia mínima y máxima a la que podemos disparar, determinada por el ISO y el número guía del flash. El resultado que ofrece esta técnica no es muy natural. Al incidir directamente, proyecta una luz muy dura que genera una sombra tremendamente artificial.

El flash de rebote.

Consiste en buscar un techo, una pared o algo en donde rebotar la luz del flash, de momo que ésta se difumine y disperse y la acción de la luz sobre el objeto fotografiado sea mucho más natural. El rebote supone una pérdida en la potencia del destello, puesto que la dispersión de la luz y la absorción de parte de ésta por la superficie que la rebota merma la intensidad del destello.

Hemos de tener en cuenta la distancia que ha de recorrer el haz de luz desde que rebota la pared o techo, hasta que llega el objeto. También hemos de tener en cuenta el color de donde rebota la luz, puesto que este influirá como filtro de color en la foto. Por ejemplo, si la pared es de color verde, las tonalidades que nos dará la foto serán verdes. Si el techo es de color madera, las tonalidades serán rojizas. Y ojo con rebotar la luz en fondo negro, ya que éste nos absorberá casi toda la luz.

El flash de relleno.

Esta técnica surge en situaciones en las que, aparentemente, no sería necesario hacer uso de un flash, pues hay luz más que de sobra. Se trata de difuminar o reducir la dureza de las sobras que la luz del sol ha producido en el sujeto u objeto a fotografiar.

El uso del flash fotografiando a contraluz.

Esta situación supone que la diferencia de iluminación entre fondo y objeto situado en primer plano sea tan acusada que tengamos que sacrificar y elegir qué queremos que salga bien expuesto.

En esta foto se ha optado por exponer correctamente el fondo. De manera que el objeto del primer plano está claramente subexpuesto.

Si hubiésemos fijado los parámetros para que lo que estuviese correctamente expuesto fuese el objeto de primer plano habríamos obtenido una fotografía como la siguiente, en la que puedes ver que el fondo está quemado:

Si tenéis flash, no tenéis por qué conformaros, ya que éste te ayudará a equilibrar los niveles de iluminación. Los pasos que deberás seguir serán los siguientes:

-Realiza una primera toma exponiendo correctamente el fondo.

-El objetivo de esta primera toma es saber los parámetros de exposición que deberás elegir para que no solo el primer plano salga correctamente expuesto, sino también el fondo.

-Una vez que tenemos este valor, nos fijamos en la distancia a la que podemos disparar el flash, que nos la dará el número de guía del flash y el ISO.

CONSEJOS:

-Como regla general, siempre será mejor fotografiar al atardecer o al amanecer.

-Evitar los momentos centrales del día, donde el sol está más alto, a no ser que fotografiemos agua, para evitar reflejos o que esté cubierto, lo cual hará que tengamos un fantástico difusor como son las nubes.

-Procurar media la luz en altas luces (donde da el sol)

-En la medida de lo posible, usar la luz lateral y a ser posible natural. Esto dará más volumen, naturalidad y fuerza a nuestras imágenes.

-Intentar no usar el flash frontal, si se puede, rebotadlo. Pero recordad que, si las paredes son de color diferente al blanco, éstas harán de filtro de color.

Bailar hasta que el cuerpo aguante

02/08/2016/en Blog /por Photogenic Agencia Gráfica

¡Qué bonito es el primer baile de una boda! Y es que ahora, para gustos los colores. Muchos siguen apostando por un estilo más clásico y no se resisten a mover los pies a ritmo de vals; hay otros novios que abren este baile especial con su canción favorita u otros que se animan con una ‘currada’ coreografía. Los invitados se convierten en testigos de excepción, pero a partir de aquí, se abre la veda y ¡todos a bailar hasta que el cuerpo aguante!

¿Cuál ha sido el primer baile más curioso con el que os habéis encontrado en una boda? ¿Sois de bailar hasta las tantas o preferís controlar el panorama desde la barra?

¡Esperamos que os gusten las fotos!

Nociones fotográficas – La luz II

29/07/2016/en Blog /por Photogenic Agencia Gráfica

En el pasado ‘post’ repasamos los tipos de luz natural que tenemos y en esta nueva entrada vamos a ver la importancia que tiene la dirección de luz a la hora de captar una fotografía. ¡Esperamos que os sirva de ayuda!

DIRECCIONES DE LA LUZ

Luz lateral. Este tipo de luz destaca el volumen y la tridimensionalidad del objeto (lo divide en varios planos) y la textura de superficies. Si la luz incide lateralmente al motivo, la sombra del objeto queda perpendicular al fotógrafo y forma parte de la imagen, por lo que puede tener parte activa en la composición.

Luz frontal. Es cuando la luz llega al motivo cuando proviene de atrás del fotógrafo por lo que la sombra queda detrás del motivo. Destaca el color y los detalles. Sin embargo, los planos tienden a acercarse entre sí, por lo que el motivo se verá plano. Por lo general se obtienen buenos resultados con su utilización. Es bastante poco atractiva si la fuente de luz es dura- hay excepciones y en algunas situaciones una luz frontal suave puede producir imágenes muy llamativas. La luz frontal sirve muy poco para mostrar la forma o la textura ya que las sombras están en su mayoría escondidas de la vista. Como resultado hace que las cosas parezcan planas, aunque una luz frontal difuminada puede también ‘aplanar’ algunos objetos con esta misma razón – puede ayudar a disimular arrugas e imperfecciones y por eso es a menudo usada en retratos y fotografías de producto (fotos de carné)

Contraluz. La luz proviene de atrás del motivo, la sombra se proyecta hacia el fotógrafo y el motivo queda reducido a una silueta. Este tipo de luz sirve para dar un efecto espiritual a una imagen, especialmente en retratos de perfil. Es normalmente una situación de alto contraste y puede a menudo parecer atmosférico y dramático.

Otras características de este tipo de luz es que revela la transparencia, deja ver un objeto traslúcido y cualquier fino detalle o textura a lo largo de este borde iluminado. Este tipo de luz es muy efectiva para prestarle drama a una imagen.

Luz cenital. La iluminación desde arriba es una situación ligeramente más inusual, aunque es común en la luz de un día nublado. Se puede encontrar también en la luz del sol al mediodía, en algunos interiores y en otras situaciones como la iluminación de escena. Con luz suave es un modo muy efectivo de mostrar la forma. Bajo una luz dura, puede darle un aire de misterio por las sombras dramáticas que proyecta, que ocultan las formas bajo ella: por ejemplo, la gente que permanece directamente bajo la luz dura tendrán agujeros negros en lugar de ojos, ya que la cuenca del ojo estará en sombra total. La iluminación cenital es raramente usada, aunque eso no quiere decir que no debería ser usada. Para la iluminación de un día nublado en el ‘estudio’ más realista, con el cielo entero actuando como una enorme fuente de luz difusa. Es también una iluminación inusual para situaciones más atmosféricas y el simple hecho de que no se vea a menudo puede ser usado para crear un sentimiento de incomodidad.

Luz desde abajo o candileja. Si la iluminación directamente desde arriba es rara, entonces hacerlo con la luz directamente desde abajo es todavía más inusual. En un contexto natural esto puede ocurrir si alguien está de pie junto a una fogata, o sosteniendo una linterna. La luz reflejada puede también venir desde abajo, desde el agua, por ejemplo. Le daría una apariencia completamente extraña a los objetos familiares.

LUZ NATURAL

El clima ejerce una influencia considerable sobre la intensidad, calidad y color de la luz. Cuando el cielo está cubierto de nubles, la luz se suaviza y debilita y con frecuencia cambia de color (se vuelve azulada). Antes y después de una tormenta, con el cielo gris, se muestran unas manchas de diversos colores, el terreno se ve atravesado por luces que cambian rápidamente sus matices. También es importante considerar que la hora del día influye sobre el color de la luz, así tendremos luces más azuladas al amanecer y más amarillas al atardecer.

La fotografía nocturna es extremadamente contrastada. Se aconseja tomar este tipo de fotografías justo antes de anochecer, para aprovecharla luz. Si se toma la foto cuando ha caído la noche la exposición deber ser larga, para recoger mayor cantidad de luz, por lo que se be de hacer con trípode.

En nuestra próxima entrada hablaremos del flash, del que tenemos que echar mano cuando la luz natural es demasiado débil.

¡Qué tengáis un buen fin de semana!

Nociones fotográficas – La luz I

20/07/2016/en Blog /por Photogenic Agencia Gráfica

El término fotografía procede del griego ‘phos‘ que significa luz y de ‘grafé‘ que es el conjunto de líneas o escritura. Es decir, el significado de fotografía es escribir o grabar en luz. Por eso, a continuación, os vamos a hablar de la importancia de la luz a la hora de realizar una fotografía.

La luz proviene de una fuente de energía que puede ser natural (el sol) o artificial (un flash, una bombilla…) y se transmite en línea recta hasta llegar a los objetos. En este primer ‘post’ sobre la luz vamos a hablar de la luz natural. Y gracias a que la luz está formada por varias longitudes de onda, según la superficie donde incidan los rayos, nuestros ojos perciben esos cambios de longitud como los distintos colores. Así, cuando vemos un objeto de color verde, resulta que su superficie refleja en mayor medida el verde, y absorbe el azul y el rojo (red, green, blue, colores básicos)

Esto nos da la clave para entender el comportamiento de los filtros en fotografía; si usamos un cristal transparente azul para filtrar la luz este dejará pasar la luz azul y absorberá los demás colores.

-CALIDAD DE LA LUZ O DIFUSIÓN DE LA LUZ

La calidad de la luz a utilizar depende del tamaño de la fuente (lámparas, bombillas, el sol, etc…) y de la distancia relativa entre ella y el motivo. Mientras más grande sea la fuente o más cerca esté del motivo mayor será la calidad de la luz. No debe confundirse con la intensidad, por ejemplo, el sol y la luna tienen una notable diferencia en cuanto a la intensidad de su luz, sin embargo, tienen la misma calidad, siempre y cuando no interfieran las nubes, ya que su tamaño y distancia relativas de la superficie de la Tierra son semejantes.

Viene determinada por el tamaño y la distancia de la fuente luminosa, y pos su forma de emanar y llegar hasta el sujeto, podemos conseguir tres tipos de luz: luz dura, suave y semidura (o semidifusa)

Determina la nitidez del borde de las sombras y por tanto, la dureza o suavidad de las imágenes. Una misma fuente de luz puede cambiar su grado de dureza/suavidad con solo acercarla/alejarla al objeto fotografiado. Ejemplo: si disponemos de una luz con difusor de ventana grande cerca del objeto nos dará una luz muy suave, pero si esa misma pantalla la alejamos considerablemente, arrojará una luz mucho más dura.

Luz dura. Una luz dura proviene de una fuente de luz puntual, ya sea natural, el sol o la luna artificial, un flash o una lámpara. La identificamos porque da una sombra con bordes nítidos y bien definidos. Esta luz acentúa el contraste entre las regiones de luz y de sombre del objeto. Destaca los detalles y la textura, por lo que no se recomienda para retratos (a no ser que busquemos precisamente destacar arrugas como puede ser en el retrato de un anciano). Se puede usar en escenas donde queremos predominar el vigor o la fuerza. Crea volúmenes.

Cuando es sol está en su punto más alto en el cielo la luz está en su nivel más blanco y fuerte. El contraste es muy alto, las sombras son muy oscuras. La luz fuerte tiene el efecto de blanquear los colores y estos parecen estar menos saturados que durante otros momentos del día.

El fuerte contraste puede hacer difícil el crear imágenes atractivas en este tipo de luz, aunque en situaciones en donde el contraste es más bajo de forma natural puede funcionar muy bien.

El agua, por ejemplo, puede beneficiarse de esta luz fuerte, y muchas imágenes de los mares tropicales están tomadas al mediodía. En otros casos, el alto contraste puede usarse para un efecto creativo.

2. Luz suave. Una luz suave proviene de una fuente de luz cuyo tamaño es grande en relación con el objeto iluminado. Esto hace que a un mismo punto del objeto llegue luz de diversas direcciones, lo cual hace que no haya sombras que definan la textura del objeto. Así mismo, las sombras son poco definidas, es decir no hay un borde que claramente indique donde no hay luz y donde si, dado que la luz llega de diversas direcciones.

No proyecta apenas sombras, la producen fuentes luminosas muy grandes (como un cielo cubierto) o al rebotarse otras fuentes sobre superficies amplias (como techos, reflectores etc…)

Para poder controlar la luz, debemos conocer los cambios que se producen al chocar esta con una superficie. La luz (una luz puntual, por ejemplo) puede ser difundida, reflejada, absorbida o modificada.

3. Luz Semidifusa. Es una luz inicialmente dura, que se suaviza un poco mediante difusores, que pueden ser cortinas, las nubes etc…Proyecta sombras, pero sus bordes no son nítidos. Esta luz suaviza el contraste entre las regiones de luz y de sombras, por lo que se recomienda para retratos.

Para eliminar el contraste de luces y sombras que se produce en un sujeto cuando lo iluminamos con una bombilla del alumbrado público, debemos acercarlo a una pared blanca, para que el reflejo que ésta produce ilumine el lado que queda oscuro, o usar reflectores portátiles para eliminar dicho lado.

Continuando con la luz natural, en la próxima entrega hablaremos sobre la importancia de la dirección de la luz en una fotografía.

Nociones fotográficas – El enfoque

07/07/2016/en Blog /por Photogenic Agencia Gráfica

¿Cómo va la semana? ¿Estáis a punto de coger vacaciones o todavía os queda curro por delante? En nuestra nueva entrada de hoy sobre nociones fotográficas os vamos a hablar del enfoque.

ENFOQUE MANUAL

El enfoque maual es el que realizaremos con el anillo de enfoque del objetivo. Enfocaremos al objeto que queremos fotografiar. Si es una persona, lo haremos a los ojos. Por rapidez, usaremos habitualmente el autofoco, pero el enfoque manual lo emplearemos en determinadas circunstancias que veremos a continuación.

Modo Macro. Si estamos trabajando en este modo, el enfoque manual permite definir con mayor precisión el punto a enfocar, especialmente porque en este modo la profundidad de campo es muy reducida.
Retratos. Es común que, en los retratos, la atención se centre en unos pocos centímetros, como puede ser el área de los ojos, la boca…En estos casos, entonces, el enfoque manual permite enfocar de forma exacta este punto en cuestión. Nuevamente, aquí este enfoque ayuda cuando hay una profundidad de campo muy reducida.
Con poca luz. El gran engaño del enfoque automático se da en condiciones de poca luz, es como si este enfoque no captara realmente la escena y entonces resulta difícil confiar en su buen juicio. Que mejor entonces que apelar al enfoque manual: seguridad garantizada.
Disparos a través de un cristal, una reja o si existen reflejos. Es común que en estos casos el enfoque automático se concentre en la reja o el cristal en lugar de hacerlo en el punto de interés. Por el contrario, el enfoque manual permite controlar la visualización de forma eficiente. En el caso de los objetos brillantes o con reflejos, el problema es que el autofoco se queda «bailando».
Con mucho movimiento. La utilización del enfoque manual se hace necesaria cuando intentamos fotografiar un punto de interés que se desplaza a gran velocidad, pues es común que el enfoque automático no logre la suficiente rapidez. Solo hay que enfocar en forma manual a un punto y esperar a que el objeto o sujeto en cuestión pase por allí.

-Autofocus (AF)

La cámara es capaz de enfocar el objeto-sujeto, simplemente presionando a la mitad el botón de disparo o el botón AF.

Normalmente el punto de enfoque estará en el centro del visor, aunque en cámaras avanzadas este punto se puede convertir en varios que lo podremos desplazar por todo el visor, seleccionando el que más nos pueda interesar (importante para tener una imagen más nítida, debido a la convexidad de las lentes)

-El bloqueo del enfoque

Se trata de una técnica consistente en conseguir enfocar el sujeto que queramos tener nítido y fotografiarlo evitando que el AF nos juegue una mala pasada.

¿Cómo nos puede jugar una mala pasada el AF? Pues enfocando continuamente sin que seamos capaces de fijarlo en el objeto que queremos. Ahí entra el AF-LOCK (AF-L). Esta técnica es importante y no solo con el enfoque, sino también cuando medimos la luz, esta vez, empleando el bloqueo de la exposición, AE-LOCK (AE-L)

-Modos de autofoco

No en todas las situaciones podremos usar el mismo tipo de Autofocus. No es lo mismo fotografiar a sujetos estáticos, que sujeros en movimiento. Cada situación a fotografiar tendrá unas particularidades que nos llevarán a elegir el modo de autofocus que mejor se adecue. Los diferentes fabricantes de cámaras tienen también diferentes modos de Autofocus. Veamos, por encima, cómo funcionan los de las principales marcas.

-SISTEMA NIKON.

S (Single Servo AF): enfoca automáticamente objetos estáticos.

C(Continuous Servo AF): mantiene enfocado el sujeto que se mueve ante la cámara mientras mantengamos pulsado a medias el disparador, pudiendo disparar en cualquier momento del movimiento del sujeto. Idóneo para fotografiar, por ejemplo, fauna en movimiento.

Incluyen a mayores el modo M (Manual Focus) que, como estás imaginando, es el modo totalmente manual.

Las cámaras Fujifilm réflex (de la serie S) guardan gran similitud con las Nikon y sus modos de enfoque son los mismos.

-SISTEMA CANON.

One Shot. Se trata del modo AF normal, el enfoque automático se activa mediante media pulsación del disparador y se efectúa sobre el punto de enfoque que hayamos seleccionado. Modo recomendado para retratos, bodegones, etc…

Al Servo. El enfoque es continuo mientras se mantenga presionado el disparador. Es ideal para hacer seguimiento de elementos en movimiento teniéndolos siempre en foco. Este modo es el recomendado, por ejemplo, para deportes.

Al Focus. Asiste en el enfoque de un elemento estático. Si éste empieza a moverse, lo sigue enfocando mientras se mueva. Es un One Shot que cuando detecta movimiento pasa al modo Al Servo.

-SISTEMA OLYMPUS

S-AF. (AF simple). El enfoque se efectúa una vez presionado el disparador a medias.

C-AF (AF continuo). La cámara repite el enfoque mientras el disparador permanece pulsado a medias.

Hasta aquí, como veis, las principales marcas son muy similares. Simplemente cambian la nomenclatura de sus modos de enfoque, aún siendo básicamente los mismos. Pero aquí, Olympus introduce una variación que puede resultar interesante. Se trata de los modos MFAFS y MFAFC. Ambos, combinan el enfoque AF simple y el continuo con el enfoque Manual. Esto es que ,una vez la cámara ha enfocado con AF, ya sea continuo o simple, pueden efectuarse ajustes con el anillo de enfoque como si de un modo plenamente manual se tratara.

La Acera Recoletos antes y ahora

05/07/2016/en Blog /por admin

¡Cómo nos gusta echar la vista atrás y ver cómo era antes nuestra ciudad! Hoy os hemos preparado un antes y después de la Acera de Recoletos.

¿Sabíais que esta vía debe su nombre al convento de Recoletos que se encontraba aquí emplazado?

Esta calle ha sufrido también varios cambios de nombre. En un principio recibió el nombre de calle Los Recoletos y posteriormente Acera Recoletos. En 1903 cambió el nombre por avenida Alfonso XIII y con la llegada de la Segunda República pasó a ser Avenida de la República. En agosto de 1936 recuperó el nombre de Acera Recoletos, pero en noviembre de ese mismo año se renombró como avenida del General Franco. Recupera su actual nombre en 1979.

Los templetes de música fueron una construcción que comenzó a generalizarse en Valladolid a principios del siglo XIX. Uno de los más representativos fue el que se construyó en la Acera Recoletos y donde los músicos amenizaban el paseo de los vallisoletanos. El templete que vemos en la foto del antes y que ya no existe, fue inaugurado en 1880, a iniciativa de Miguel Íscar.

¡Ahora a captar todas las diferencias del antes y el ahora!

Nociones fotográficas – El ISO

01/07/2016/en Blog /por Photogenic Agencia Gráfica

Seguimos dando pequeñas pildoritas para que no estéis tan perdidos si es que esto de la fotografía es lo vuestro. Hoy vamos a hablar de nuestro amigo el ISO.

Cuando la velocidad y la apertura no son suficientes para poder obtener una fotografía con garantías de que quede bien expuesta, entonces hemos de «tirar» de usar el ISO. El ISO, antes conocido como ASA es la sensibilidad que puede tener una película o un sensor de luz. Las cámaras digitales tienen un rango de ISO que normalmente va de 100 a 800, pero en cámaras profesionales podemos encontrar rangos de ISO de 50 a 6400, incluso hoy en día superiores. Cuanto mayor sea el número, significa que la cámara necesita menos luz para tomar unas fotos. Es decir, una foto que normalmente no se podría tomar con ISO 100 por falta de luz, se puede tomar si utilizamos un ISO 800.

La desventaja de utilizar un ISO elevado es que la imagen que obtendremos será una imagen con ruido digital (denominado grano en película química). En muchas ocasiones, este ruido puede ser reducido considerablemente por medio de filtros reductores de ruido, utilizados en aplicaciones para retocar y post-procesar fotografías.

La mayor calidad de imagen con una cámara digital se obtendrá usándola a su menor sensibilidad ISO equivalente (50, 100, 200 ISO)

El uso de sensibilidades ISO mayores se traducirá en un aumento de píxeles distribuidos al azar, principalmente en las zonas de sombra de la imagen. El ruido, a diferencia del grano, no será proporcional en toda la imagen, sino que se manifestará de forma más evidente en las zonas oscuras.

El ruido se manifiesta más en algunos canales que en otros. Normalmente el canal azul suele ser el que contiene más ruido. Se puede editar este canal posteriormente con algún programa de edición para reducir el ruido mediante una aplicación con filtros.

Pero hay que tener cuidado ya que es fundamental realizar una correcta exposición en nuestra foto independientemente del ISO que tengamos seleccionado, ya que utilizar ISO’s bajos a costa de subexponer en exceso una foto puede dar como resultado fotos de peor calidad que las equivalentes bien expuestas con ISO’s más altos.

TIPOS DE RUIDO:

Ruido de color. El Ruido de Color (Chroma Noise) son los puntos rojos-verdes-azules que aparecen en la foto. Cuando pasamos la foto a Blanco y Negro, éstos desaparecen.

Ruido de Luminancia: son esos puntos más parecidos a granos negros, grises y blancos.

El culpable del grano son factores como tamaño del sensor, calor (del mismo sensor, cuando hacemos fotografías en larga exposición), también debido a sus características de fabricación (sea CMOS, CCD o cualquier otro tipo) o sus limitaciones.

Eso sumado a la selección del grado de sensibilidad (ISO) que escogemos en nuestras cámaras digitales, da como resultado la cantidad de Noise o Ruido que veremos presente en las fotos. (Si escoges ISO 100, el ruido será inapreciables. Si es de noche y tienes que escoger o tu cámara compacta lo hace por ti y no puedes hacer nada al respecto, y tu cámara te pone un ISO 3200, pues te encontrarás al final con granos de ruido del tamaño de montañas)

El tamaño del sensor, es uno de los principales culpables de la cantidad de ruido. No es lo mismo un sensor de una cámara compacta que el de una cámara DSLR. A mayor de sensor, menor ruido y viceversa.

Podemos comparar los tamaños uno al lado del otro en la foto de al lado. El de ’35 mm full frame’ es el tamaño que corresponde al film tradicional. El típico negativo de toda la vida que revelábamos en el laboratorio. Los demás corresponden a las diferentes marcas que existen ahora en el mercado. Las tres más chiquitas de todas corresponde a las que están instaladas en la mayoría de cámaras compactas.

EL BALANCE DE BLANCOS Y LA TEMPERATURA DE COLOR

El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo de los colores básicos rojo verde y azul (RGB) con el objeto de que la parte más brillante de la imagen aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro. Este control, dependiendo de las cámaras, puede ser automático o manual.

La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancos automático. Lo que hace este sistema es ajustar la parte más brillante de la escena para que aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro.

Algunas cámaras digitales disponen de configuraciones del balance de blancos con valores por defecto que se pueden seleccionar en sus menús. Estas configuraciones de balance de blancos suelen ser las siguientes:

Interiores o tungsteno: se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz incandescente (bombillas) o halógena.

Soleado: se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior con un tiempo soleado o nublado de gran luminosidad.

Nublado: se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior en condiciones de sombre o de cielo muy cubierto.

Fluorescente: se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz fluorescente.

Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra.

Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano. En estos casos en muy útil disponer de un modo de ajuste manual del balance de blancos.

El ajusten manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales es bastante sencillo. Basta con enfocar un objeto de color blanco (un papel, por ejemplo) y pulsar el botón de calibración de blancos. De este modo la ganancia de las tres componentes de color se ajustará automáticamente para dar el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de iluminación, obteniendo de este modo en nuestra imagen unos colores próximos a los reales de la escena fotografiada.

Es importante señalar que si realizamos el balance de blancos con una luz de apoyo, foco fijo o flash, esa medición de temperatura de color solo nos servirá para esas condiciones de luz. Si cambiamos estas, debemos de hacer una nueva calibración.

Todos los invitados de una boda Photogenic

¡Y que vivan los invitados!

29/06/2016/en Blog /por Photogenic Agencia Gráfica

Seguro que este año os toca ir de boda. Y si tenemos claro que sin los novios no habría ceremonia, sin los invitados no habría fiesta. Os dejamos unos instantes de varios de nuestros novios acompañados por todos sus amigos y familiares.

¡Y que vivan los novios y los invitados!

Hemos estado buceando por la red en diferentes webs que hablan de los invitados a las bodas. En muchas de las publicaciones se dan recomendaciones de cómo comportarse en una boda; sobre todo lecciones de moda y de protocolo. Listados interminables de cosas que se pueden y no se pueden hacer. Como hemos sido incapaces de hacer un resumen de todo esto, nuestra única recomendación es que disfrutéis al máximo de este tipo de celebraciones. Que hay que bailar y reír hasta que el cuerpo aguante.